Fita de contenção
[24 de junho de 2013]
Entra-se no MAR pela cobertura. Antes de vermos qualquer exposição, somos convidados a fruir uma vista para a Baía de Guanabara. Visitantes anseiam por fotografias e armam seus sorrisos de cinco segundos. Enquanto isso, na outra ponta da cobertura, vemos um espaço esvaziado que, ao menos nos diversos dias em que visitei o museu, uma fita de contenção proibia de percorrê-lo em sua integridade. Chegando mais perto desta separação, temos o horizonte de um Rio de Janeiro desmatado e com resquícios de uma arquitetura abandonada sobre um morro.
Sobre uma parede, a relação escrita dos artistas participantes explicita o já percebido visualmente: há muita informação visual neste andar. Não se lida com o espaço museográfico tal qual em um cubo branco onde cada obra deveria, supostamente, respirar e preparar o espectador para o próximo encontro. No lugar de selecionar o olhar, somos tomados por uma sobreposição de cores, imagens em movimento e sons. Se por um lado há uma interessante experimentação de linguagem curatorial aqui (que faz recordar experiências recentes do mesmo Paulo Herkenhoff, como “Contrapensamento selvagem”, no Itaú Cultural, em 2011), onde a união de diversas assinaturas cria uma nova e transforma, quiçá, a própria exposição em uma grande obra, em contrapartida há um desaparecimento de algumas das imagens selecionadas.
Trabalhos com maiores dimensões ou audiovisuais, como a maior parte daqueles realizados em coletivos e que demandam certa cenografia estrutural, ganham força. Enquanto isso, uma pintura de Lúcia Laguna e outra de Antonio Dias estão bem acima do nível do olhar e demandam mais do que atenção para serem percebidas. Já o craquelado decorativo de Adriana Varejão parece tão deslocado da reflexão curatorial quanto a localização de um objeto de Raul Mourão sobre um portal. Mas esta não seria a própria dinâmica de uma cidade permeada por contrastes como o Rio de Janeiro? Colocar o público especializado e leigo dentro de uma verdadeira confusão visual não seria um meio de transformar em metáfora os possíveis futuros impasses deste museu enquanto pólo de pensamento crítico?
Em Curitiba, o Grupo E/Ou recria um mapa afetivo junto com a população local de uma pequena vila chamada Pequeno Espaço. Uma cartografia a muitas mãos ganha forma. Já o Projeto Morrinho, surgido em uma favela de área nobre do Rio de Janeiro, constrói um grande panorama de suas construções precárias. Temos aos nossos olhos um ambiente de brinquedo, domesticado e espetacular, rapidamente transformado em pano de fundo para fotografias dos visitantes do museu. Merece destaque também a polêmica participação (se é que se pode usar essa palavra) do coletivo Opavivará! na exposição. Com uma performance que criticaria de modo explícito o despejamento da população do porto, o grupo não foi autorizado a realiza-la no dia de abertura do museu. Entre os reclames de censura no MAR e as explicações de que se tratava de uma medida de segurança relativa à presença da presidenta Dilma no evento, resta agora um melancólico vídeo que anunciava um acontecimento artístico que nunca saberemos como poderia ter se desenrolado.
Entre a reflexão crítica e o desmoronar de imagens, o Museu de Arte do Rio de Janeiro abre suas portas. Uma coisa parece inegável: “O abrigo e o terreno” é capaz de dar uma pequena amostra da potência que este andar térreo pode vir a ter. Faz-se importante não se perder de vista em nenhum momento a localização, a história do Rio de Janeiro e a capacidade da arte contemporânea de colocar lado a lado grandes nomes e os anônimos. Talvez seja inevitável que “os artistas sejam etnógrafos”, como diria Hal Foster. Se eles, porém, refletirem sobre aquela fita de contenção que me separava de uma imagem decadente do Rio, mas que me convidava a sorrir perante a aparência de uma cidade que nunca foi e nunca será maravilhosa, a arte terá feito alguma coisa e a vida, quem sabe, poderá ter algum sentido.
